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O músico Luiz de Godoy, um talento incontestável.

Tenhamos confiança absoluta nas energias da vontade.
Saber querer é o sagrado mister dos corações sensíveis.
Austregésilo de Athayde (1898-1993)

Foi uma gratíssima surpresa o Concerto a que tive a grata oportunidade de assistir aos 19 de Maio último. Celebrava-se a data festiva do Coro da Osesp, criado em 1994, que se dedica prioritariamente ao repertório a abranger a música brasileira dos século XX e XXI. Esteve a conduzi-lo, nesse dia, o ainda jovem e já internacionalmente consagrado regente coral Luiz de Godoy.

Em blog bem anterior (vide Luiz de Godoy, 24/12/2016) já me pormenorizei sobre parte da atuação meritória de Luiz de Godoy como mestre-de-capela frente aos Meninos Cantores de Viena (2016-2019), um dos mais renomados grupos do gênero em termos mundiais, com 525 anos de história! Com os Meninos Cantores excursionou por 26 países. Simultaneamente, atuou como diretor do Coro Acadêmico da Ópera Estatal de Viena (2016-2018) e assistente de direção artística da Academia de Canto de Viena (2015-2019). Presentemente integra o corpo docente da Escola Superior de Música e Teatro de Hamburgo, na Alemanha.

A premissa sobre a atuação de Luiz de Godoy se faz necessária, máxime pelo fato de ter ele sido meu aluno na Universidade de São Paulo. Estou a me lembrar de Luiz de Godoy, que já estava em pleno curso na Instituição, adentrar a minha sala perguntando se doravante poderia ser eu o seu professor de instrumento. Ao se por ao piano e executar uma complexa obra de Oswaldo Lacerda tive a certeza de estar diante de uma joia rara. Aposentado, ainda continuei a dar aulas em nossa morada ao atento e esperançoso jovem, até a viagem à Europa empreendida por Luiz de Godoy, mercê de uma bolsa da Erasmus na Academia de Música e Dança de Colônia e na Universidade de Música e Performance Artística de Viena. Saliento a importância fundamental, na formação musical de Luiz de Godoy, do professor Renato Figueiredo, que delineou o perfil musical do então menino de 11 anos, seguindo criteriosamente  a sua evolução ao longo dos anos.

Sala São Paulo lotada. Deu-se a apresentação do Coro da Osesp sob a direção do regente convidado Luiz de Godoy, hoje um músico rigorosamente completo, um dos mais destacados da atualidade nas atividades a que se propôs. Saliente-se a participação especial do Coro Acadêmico da Osesp, dos pianistas Fernando Tomimura e Juliana Ripke e do acordeonista Gabriel Levy.

Primeiramente salientaria o gosto pela elaboração do programa, dele a constarem 10 obras significativas extraídas da música coral do século XV à atualidade. Luiz de Godoy, mui pertinentemente, pronunciou-se sobre a escolha do repertório, elencando os compositores e os seus propósitos em relação à criação.

Segui atentamente o desenrolar da apresentação, que manteve o público silencioso durante todo o prosseguimento do evento, respeito ao programa, tributo ao regente. O roteiro planejado seguiu harmoniosamente e, à medida que evoluia, mais cativava o auditório. A alternância das peças e seus respectivos moods evidenciaram não apenas a qualidade inerente do Coral da Osesp, como propiciaram a observância de determinadas qualidades do regente Luiz de Godoy, não apenas no aspecto estritamente musical como no gestual adequado, sem quaisquer exibicionismos, mas a apreender as essencialidades das partituras.

Estou a me lembrar de uma resposta da notabilíssima Nadia Boulanger (1887-1979), compositora, musicóloga, educadora musical francesa, a uma pergunta que lhe formulei quando de uma visita à sua morada. Qual a essência-mor da interpretação? Respondeu-me que era saber graduar as intensidades e que a maioria dos intérpretes trabalhava numa faixa intermediária, evitando as extremidades. Guardo os sábios conselhos da excelsa mestra desde sempre. Luiz de Godoy é um dos que cuidam das intensidades com esmero. No todo da apresentação, que exibiu quase sete séculos de exemplos pontuais, Luiz de Godoy cuidou da gama de intensidades, da quase inaudível à mais potencializada, o que resultou numa escala extraordinária do espectro sonoro. Essa apreensão do regente, rara nos tempos atuais, importou para cada obra interpretada pelo Coro da Osesp, apesar de estilos e adequações, mercê da cronologia, um interesse adicional. Quanto ao estilo, saliente-se a condução de Luiz de Godoy na sempre complexa compreensão dos períodos históricos. Uma tão extensa linhagem de compositores, que se estende por tantos séculos, poderia “homogeneizar” estilos. Na alternância do programa do passado ao presente, mais nitidamente ficou marcada a assimilação estilística. Luiz de Godoy soube transmiti-la ao Coral da Osesp, que tão bem a apreendeu. Creio que, em quaisquer interpretações, a compreensão estilística, adquirida através do conhecimento necessário das fontes primeiras, manuscritos definitivos ou rascunhados, fac-similes destes, partituras impressas, literatura pertinente e competente, proporciona ao músico a certeza da distância do equívoco. Se talento descomunal existir por parte do músico, emergirá a execução que servirá de modelo.

Luiz de Godoy não cuidou apenas do conteúdo musical em si. Preocupou-se em valorizá-lo sob égides outras, como a posição dos coralistas, que por vezes se deslocavam com a finalidade de determinado resultado sonoro previsto pelo regente, como na encenação relativa à última obra apresentada, O Mare Nostrum, da compositora holandesa Camille van Lunen (1957). Ao término desta, os coralistas, ao caminharem pelos corredores  pronunciando um autêntico mantra, conquistaram decididamente o numeroso público.

Encantou-me igualmente sua concepção de uma obra que me é muito cara, Magnificat em talha dourada: Ó, meu menino, do ilustre compositor português Eurico Carrapatoso (1962). Das várias versões que conhecia, algumas no Youtube, foi a interpretação concebida por Luiz de Godoy e executada com expressividade comovente pelo Coro da Osesp a que mais me impactou.

Neste país em que escassearam os valores maiúsculos voltados à música erudita, de concerto ou clássica, quando comparado a tantos do hemisfério norte e do Extremo Oriente, o surgimento de um músico de primeiríssima qualidade, hoje consagrado pelo seu talento, ombreando com os maiores do gênero em âmbito mundial, realmente é jubiloso.

Bem haja Luiz de Godoy em sua bela carreira.

The Osesp Choir’s performance under Luiz de Godoy was ineffably beautiful. Luiz de Godoy is now at the highest level of the planet’s great choral conductors. The concert held at Sala São Paulo on May 19 will remain etched in the memory of a large and attentive audience.

 

Tudo a indicar a constante ascensão

Não corro como corria
Nem salto como saltava
Mas vejo mais do que via
E sonho mais que sonhava.
Agostinho da Silva

Alegrou-me o fato de vários leitores desejarem uma bela carreira ao jovem pianista, merecedor de muitos elogios pela franqueza com que se posiciona, ausência de empáfia e visão real de uma atividade que é sempre plena de surpresas, exigindo do intérprete uma capacidade singular de concentração, dedicação imensa, sacrifício, mas que o conduz a estágios de alma, quiçá, raríssimos entre as incontáveis atividades humanas. A continuar as considerações do jovem pianista, ficariam expostos posicionamentos que podem servir de reflexões a tantos outros talentos que, por motivos pessoais, não externam dúvidas e anseios.

Jovem Pianista - Eu sei que não posso me fixar em um, dois ou três compositores apenas e ficar com um repertório “limitado”. Tenho já um bom número de obras importantes privilegiando grandes compositores. Mozart, por exemplo, quero estudá-lo com mais afinco, pensando no momento em mais uma das suas Sonatas.

JE – Sim, Mozart é indispensável. Recomendaria a Sonata em lá menor, realmente uma das suas mais importantes criações do gênero e também a Fantasia K.475 em dó menor, obra singular, pois Mozart passeia por várias tonalidades com a leveza e a dramaticidade que conhecemos. Um verdadeiro “laboratório”, pleno de opções interpretativas. Sem contar os seus Concertos para piano e orquestra, alguns deles magníficos.

J.P. Acho que tem também a ver com a fase da vida em que estou. Por exemplo, eu adoro a Sonata de Liszt e penso estudá-la. No ano passado tive que estudar determinada obra relevante para um recital, porque pediram uma em especial. Toquei-a contrariado. Fiz o melhor que pude, claro, e saiu bem, mas foi um alívio quando acabou o concerto e a pude deixar. E é uma obra que eu adoro. Mas agora não estou mesmo nesse espírito e senti-me desconectado com o que estava a tocar.

JE – Poderia afirmar-lhe que jamais toquei uma obra pelo fato de uma determinada organização assim solicitar. É lógico que há tributo a pagar, pois algumas delas não gostam de ser contrariadas. Certamente o seu descontentamento veio também pelo fato daquele pedido. Estou a me lembrar de episódio que se deu muitas décadas atrás. Um renomado regente brasileiro me convidou para tocar com a sua orquestra. Sugeri duas obras que não são longas, a Fantasia de Claude Debussy (1862-1918) e o Concerto de Albert Roussel (1869-1937), alegando inclusive que tinha todo o material de orquestra. O regente afirmou que teria de ser o Concerto de Edvard Grieg (1843-1907), hiperconhecido, pois os dois Concertos sugeridos não atrairiam público. Recusei. O repertório que o prezado jovem anexou à mensagem já é considerável e isso é louvável. Incorpore outros compositores, entre eles Scriabine, Rachmaninov, Prokofiev, Debussy, Ravel, Bartok, Alban Berg, Villa Lobos… Tenha sempre nos dedos alguma suíte de J.S.Bach e peças de Scarlatti, Rameau, do português Carlos Seixas… Quanto aos contemporâneos, cautela. Nem sempre compositores endeusados pela mídia são os melhores, mas, em certos casos, compositores da moda. Saber escolhê-los requer conhecimento de algumas técnicas hodiernas, que se somam àquelas ainda ligadas à tradição. Alguns compositores seguidores desta linha podem, contudo, trazer inúmeras inovações quanto ao piano. Tendo visitado várias tendências, não me arrependo de nenhuma escolha. Arnold Schonberg (1874-1951), que empreendeu caminhada a partir de um romantismo tardio ao atonalismo, que o levaria à técnica de composição por ele idealizada, o dodecafonismo, já dizia: “Há ainda muita música boa para ser escrita em dó maior”. Foi um privilégio ter interpretado autores como Gilberto Mendes (1922-2016), Ricardo Tacuchian (1939-), Jorge Peixinho (1940-1994), Almeida Prado (1943-2010), Paulo Costa Lima (1954-), François Servenière (1961-), Eurico Carrapatoso (1962-) e tantos outros… Só não estudei criações para piano preparadas ad libitum ou, então, com o auxílio de quaisquer aparelhos eletrônicos.  Creio sagrado um instrumento que atingiu a perfeição. A inventiva humana é incomensurável. São tantos os instrumentos, eletrônicos ou não, que brotaram de cérebros talentosos! Que continuem a fazê-lo. Em recital que realizei em 1998 em Cardiff, País de Gales, havia três pianos de cauda inteira à disposição. O melhor fora danificado na noite anterior por um compositor-pianista do norte da Europa que preparara o piano. Tendo colocado objetos sobre a tábua harmônica e também entre as cordas, avariou o instrumento!!!

Clique para ouvir, de Paulo Costa Lima, Imikayá, na interpretação de J.E.M.:

https://www.youtube.com/watch?v=qZqE63BeleQ

Clique para ouvir, de François Servenière, o Étude Cosmique nº 4, Níquel, na interpretação de J.E.M.

https://www.youtube.com/watch?v=6twd8WP_9js

 

J.P. – Já me conheço e sei como funciono. Por isso tenho que tentar encontrar um equilíbrio e estudar e me aprofundar em uma obra, ou pelo menos ter um bom conhecimento. Ao pensar numa obra de Schumann ou numa sonata de Schubert, confesso que, apesar da extrema importância dos dois grandes mestres da composição, sinto-me menos inclinado a estudar suas criações. Mais rapidamente toco algumas obras de Brahms, que sei que é o seu compositor problemático. Vou ver. Estou agora a ouvir a Humoreske de Schumann pelo Claudio Arrau.

J.E. – Achava que era só eu a ter dificuldades com a obra de Brahms, mas a admirá-la. Foi quando ouvi a entrevista que o grande compositor português Fernando Lopes-Graça (1906-1994) concedeu ao também renomado músico Victorino de Almeida, na qual dizia admirá-lo, mas não o amar. Também tenho o mais absoluto respeito por sua imensa obra, não obstante compactuar com a opinião de Lopes-Graça, como assevero no blog anterior. Aliás, gravei três CDs com composições extraordinárias de Lopes-Graça, várias em primeira audição.

J.P. – Se calhar é de eu ser ainda jovem. Preciso de amadurecer. Não sei… Ou então é uma fase. Estou cansado de tocar obras que toda a gente toca. E acho que isso também tem a ver.

J.E. – Foi esse o meu propósito a partir de 1970. Tinha eu 32 anos. Após ter percorrido unicamente o repertório que todos tocavam e, ainda mais, que os Concursos Internacionais exigiam, já casado e com as filhas pequenas, decidi pelo inusitado, escondido ou sepulto, mas uma abertura para a liberdade da escolha num campo assombroso e fascinante. Jean-Philippe Rameau, Debussy, Moussorgsky, Francisco de Lacerda, interpretei-os na íntegra, setorialmente as integrais dos Estudos e Poemas de Scriabine e vieram tantos outros que redescobria ou eram a porta de entrada para o maravilhamento. Já lá estava nos meus 50 e tais anos quando, pelos contatos semanais na Universidade de São Paulo com o dileto e saudoso amigo, o notável compositor Gilberto Mendes (1922-2016), penetrei na contemporaneidade.

J.P. – Há obras em que a minha visão vai mudando. Dizemos inicialmente, “nem pensar”, mas com o passar do tempo passamos a delas gostar, tocá-las em público e até gravar. Portanto, há esperança. Mas nesta fase da minha vida, estou mesmo com dificuldade em encontrar obras de relevo nas quais sinta que tenho alguma coisa para dizer e que posso delas extrair uma proposição, com todo o respeito à partitura.

A título de curiosidade, envio em anexo a lista de todas as obras que já estudei, para não ficar a achar que eu não gosto de nada.

JE – Jamais assim pensei. Tenho profunda admiração pelo seu incansável trabalho neste mundo a cada ano mais conturbado sob todos os aspectos. Felizmente temos a Música. Deixo apenas como lembrança uma palavra, creio que fulcral para a nossa atividade: Curiosidade. Ela nos impulsiona e incorporá-la, como a fazer parte do nosso de profundis, deve ser o nosso vislumbre. Seguir em frente.

On a questionnaire received from a young pianist who would like to know my position on his choice of repertoire and personal affinity with certain composers over others. (II)

Considerações que poderão ser úteis ao músico promissor

“Nada de grandioso se consegue da arte sem o entusiasmo”.
“Só compreenderás o espírito quando fores mestre da forma”.
“Jamais deixaremos de aprender”.
“Tudo o que vem com a moda se vai com ela, e se quiseres interpretar o que está na moda, ao envelhecer serás insuportável a todos e não serás estimado por ninguém”.
“Não divulgue jamais composições sem valor, ao contrário, com energia as suprima”.
“Toque sempre como se estivesse na presença de um mestre”.
Robert Schumann (1810-1856)
(“Conselhos aos jovens músicos”)

Recebi ultimamente um “questionário” de jovem pianista de reais méritos que desenvolve carreira bem acolhida na Europa, apesar das circunstâncias atuais voltadas ao gênero denominado clássico ou erudito. Tive o prazer de ouvi-lo a interpretar obras de envergadura e a impressão foi marcante.

Resguardando a sua identidade, entendo contudo que as suas considerações ensejaram reflexões que eventualmente poderão ser úteis a outros postulantes à difícil atividade, mas gratificante sob tantos aspectos.

A realidade da música de concerto, clássica ou erudita no hemisfério norte, no que concerne aos solistas ou cameristas, quando não antecedida por holofotes poderosos, obedece a uma dinâmica diferenciada. Sem as amarras do sistema até certo aspecto sufocante, se de um lado profissional o retorno mostra-se mais tímido, denodo e afeto à música, essências do engajamento, evidenciam-se na interpretação. Nessa situação se situa a maioria de excelentes instrumentistas não bafejados pela alta popularidade, mas sempre tendo a natural inclinação à qualidade interpretativa. Inexistiria, neste caso, o impactar através de artifícios virtuosísticos, como também extravagâncias de gestos e vestimentas ousadas, um todo completo a agradar imenso público cativo pelo planeta. Nem todos se submetem ao sistema, mesmo sendo extraordinários intérpretes. Quando das duas décadas gravando para o selo belga De Rode Pomp, tive o prazer de ouvir, nas temporadas em Gand, intérpretes admiráveis de vários países europeus que não viviam sob o jugo da luminosidade. Estou a me lembrar de um dos meus mestres em Paris, o notável e excelso pianista Jean Doyen (1907-1982), executante de um repertório imenso. Só de Concertos para piano e orquestra, respondendo a uma perguntei que formulei, respondeu com naturalidade ter tocado 67 obras do gênero! Vivendo com sua esposa e filha, não era afeito às grandes turnês ou aos holofotes.

Clique para ouvir, de Ravel, “Jeux d’eau”, na interpretação de Jean Doyen:

https://www.youtube.com/watch?v=3edsp-GoB8o&t=13s

O jovem pianista primeiramente considera o repertório e a afinidade por determinados compositores em detrimento de outros e apreciaria saber meu posicionamento.

JE – Não se puna em relação ao repertório. Considerando um compositor pelo qual a sua afinidade se mostra diminuta, aprofundar-se na literatura a ele dedicada e analisar uma ou mais obras poderão abrir a sua mente e a admiração pelas outras criações do autor possivelmente crescerá. É fundamental o conhecimento de estilos diferentes. Apesar de pouca afinidade com a obra de Johannes Brahms (1833-1897) – o notável compositor Fernando Lopes-Graça (1906-1994) dizia que a respeitava, mas não a amava -, estudei umas poucas composições do mestre alemão e compactuo com a opinião do mestre português.

J.P. - O que comentava no whatsapp é que desde adolescente tenho uma extrema dificuldade em tocar obras que sei que não quero tocar. Eu me esforço e não consigo, porque o meu “eu” é mais forte.

J.E. - O não gostar de determinadas obras pode ser motivo para o desconhecimento de outras criações de um compositor. Se estas forem visitadas, mesmo que através de uma leitura, o interesse pelas rejeitadas poderá surgir. Numa outra direção, entendo fundamental a análise prévia de uma composição. Quantas benfazejas “descobertas” podemos fazer!

J.P. – Uma vez o meu professor do conservatório quis que eu fosse a um concurso. Inscrevi-me, comecei a estudar todo o repertório, mas tinha que aprender uma composição… de que eu não gostava. O que acabou por acontecer foi que eu nunca estudava essa peça para a aula e uns dias antes do concurso decidiu-se que eu afinal não iria, claro, porque a obra não estava em condições. O mesmo se passou quando a minha professora bem anterior quis que eu tocasse o Gradus ad Parnassum de Debussy… eu nunca estudava a peça, até que ela desistiu. O professor com quem estudei a seguir acabou por me deixar sempre tocar o que eu quis, e eu andei feliz da vida todo o tempo em que estudei com ele. A certa altura sugeriu (muito afirmativamente) uma das grandes obras de Schumann. Toquei, para dar uma chance. Tentei perceber a obra. Levei-a ao recital final de Licenciatura. Tive uma falha de memória grande em pleno exame, que me fez saltar uma página. Nunca tinha tido uma falha tão grande. Estragou-me o resto do exame. Já gostava pouco e fiquei a gostar ainda menos da composição que sei importantíssima. Andei meses a sentir-me mal com este episódio, e deixou-me com complexos de memória, que era coisa que eu não tinha. Voltei a tocá-la mais tarde para fazer as pazes. Continuei sem gostar particularmente e da última vez que a toquei em público tive a mesma falha de memória. E pensei: para mim acabou. Depois fiz as pazes com Schumann com o Carnaval de Viena. Essa sim, foi uma obra que eu quis mesmo tocar e me deu muito gosto estudar. Se me dissessem que a ia tocar no mês que vem, ia já para o piano estudar.

J.E. – Primeiramente sobre a memória, estou a me lembrar de uma frase de um excelente pianista brasileiro, Jacques Klein (1930-1982). Em uma conversa que tivemos sobre a memória, afirmava que a falha “acontece nas melhores famílias”. Já as tive, não foram poucas ao longo de 70 anos. Assim como o extraordinário Sviatoslav Richter (1915-1997), que a partir de duas falhas de memória que considerou graves passou os últimos dez anos da existência tocando com a partitura à frente. Inútil dizer que, logicamente, as composições interpretadas estavam muito bem depositadas no seu de profundis. Sobre gostar ou não de determinadas peças ou de autores, há fatores originários: idiossincrasia pelo compositor, posição que tende a contaminar o todo, assim como a não afinidade por certa criação do autor. A sua rejeição a Debussy é personalíssima, prezado pianista. Tendo apresentado a integral para piano solo, piano a quatro mãos e a camerística completa, desde sempre me convenci de que o piano de Debussy é absolutamente singular. Desenvolve a busca sonora em seus extremos – apesar de 80% de sua obra estar entre as baixas e baixíssimas intensidades –, estimula o legato, o timbre, a arte da substituição dos dedos sobre uma determinada nota, entre tantas outras contribuições. Tantos mestres do passado já se pronunciaram a respeito, exaltando outras conquistas do autor da ópera Pelléas et Mélisande. Acredito que a sua contribuição foi decisiva na interpretação, uma verdadeira revolução sonora e conceitual. O grande mestre francês Jacques Février (1900-1979), com quem também estudei em Paris, intérprete das integrais de Debussy e Ravel para piano, dizia que “há mil e uma maneiras de se interpretar Debussy e uma só é errada, a de trair o seu estilo”.

Clique para ouvir, de Claude Debussy, as duas Arabesques, na interpretação de Jacques Février:

https://www.youtube.com/watch?v=748ETj88GpQ

JP -  Eu sei que devo ter obras grandes no repertório. Percebo a importância disso e faz todo o sentido. Mas Schumann (exceto o Carnaval de Viena) tem uma linguagem que eu não percebo. Não me sinto próximo, não me dá vontade de tocar. Não é que eu não goste, eu ouço às vezes em concertos. Só que não sinto conexão, não consigo fazer alguma coisa de especial. E por isso, prefiro não pegar.

J.E. – Maurice Beaufils, ilustre musicólogo francês, bem dizia que Schumann é o mais francês dos alemães e que a sua música vai diretamente ao coração. Creio que difere de Brahms, este, alemão por excelência, ligado à forma e a ter na escrita pianística uma visão orquestral. Se o piano de Brahms é pleno de “quase” uma redução da orquestra, onde os acordes têm presença marcante, Schumann é mais fluido. Não por acaso, Schumann penetrou logo no repertório dos franceses e a admiração por Brahms foi mais tardia. Considerem-se as edições URTEX, excelentes na exatidão das músicas, mas sem a posição explícita de grandes mestres do teclado, fundamental e que nos liga à tradição interpretativa. Se você tiver a oportunidade de adquirir as edições – não sei se existem novas – com análises profundas, poéticas, das obras de Chopin, Schumann e Liszt realizadas pelo notável Alfred Cortot (1877-1962), tenho a impressão de que terá uma outra posição quanto a Schumann. Digo o mesmo das edições das Sonatas de Beethoven por Arthur Schnabel (1882-1951). São preceitos imbuídos de análise poético-didáticas, distantes das análises estruturais, a jorrarem aquilo que o grande Guerra Junqueiro dizia: “A Música é poesia incorpórea”. Sob outro aspecto, creio que seu mestre tenha se equivocado quando lhe pediu para estudar em primeiro lugar uma das obras capitais de Schumann. Não se entra no universo poético-literário de Schumann pelas suas Grandes criações. Penetra-se nesse universo pelas Cenas Infantis, Blumenstüch, algumas Novelettes, peças da Fantasiestücke, o Carnaval de Viena para se chegar ao Carnaval op 9, às Sonatas, Kreisleriana, Humoresque, aos Estudos Sinfônicos, à Fantasia op.17 e, após ter conhecido alguns desses monumentos, às Cenas da Floresta, obra de uma fase de síntese do compositor.

J.P. – E Schubert… eu estava a tentar mentalizar-me. Estive a ouvir algumas sonatas e a pensar no esforço para penetrar naquele universo. Realmente um problema meu.

JE – Não se deve fazer esforço. Schubert poderá entrar na sua vida como a primavera para aqueles que amam as cores da natureza. Schubert é uma das fontes mais puras que jamais a Música conheceu. Penetrar no seu mundo límpido, transparente, necessita primeiramente que o intérprete se despoje de quaisquer preconceitos. Conheça alguns Improvisos opus 90 ou 142. Um portal que a fará penetrar num campo imenso, imaculado. Após os Improvisos, sugiro as últimas Sonatas ou, então, a monumental Wanderer-Fantasie.

No próximo blog, finalizarei as respostas ao posicionamento que me interessou muito, mercê das considerações tão bem expostas pelo jovem pianista. Pouquíssimos ousam extravasar dúvidas, incertezas, esperanças e escolhas. Na Arte em geral, é comum a existência de egos exacerbados. Na interpretação ainda mais, pois o aplauso do público carrega grau elevado de hipnotismo. Compete ao instrumentista não ser subjugado pelo canto das sereias, daí meu apreço pelo músico que não hesitou em escrever.

On a questionnaire received from a young pianist who would like to know my position on his choice of repertoire and personal affinity with certain composers over others.