José Eduardo Martins

Música Clássica e racismo

A música é a linguagem do coração.
Jean-Philippe Rameau (1683-1764)

Quando o homem aprender a amar o menor ser da Criação,
seja animal ou vegetal,
ninguém precisará ensiná-lo a amar seu semelhante.
Albert Schweitzer

Voltando à problemática da Música Clássica, neste segundo post abordo o recrudescimento do aspecto racial, entendendo parte da mídia que a bem mais que milenar criação e prática da Música Erudita seria arte unicamente da raça branca.

Seria possível considerar que todas as ruidosas manifestações pelo planeta, em consequência da morte cruel de George Floyd por um policial, repercutiram em desdobramentos imprevisíveis. Estátuas foram destruídas. A de Winston Churchill também quase o foi em Londres, assim como, em São Paulo, a dedicada a Borba Gato ou, ainda, o monumento de Victor Brecheret em homenagem aos Bandeirantes, inaugurado no 4º centenário da cidade. São criações que, independentemente do valor artístico, representam, através da estatuária, período histórico inalienável.

No periódico francês “Valeurs” online (22/06/2020) lê-se: “De fato, segundo relatório publicado em 2016 pela ‘League of American Orchestras’, os Negros representam 1,8% dos músicos de orquestra e os Latino Americanos, somente 2,5%. Alguns criticam igualmente a falta de ‘inclusão’ de outras obras e o fato que sejam escritas, em sua grande maioria, por compositores de origem europeia. Partindo desse postulado, o ‘San Francisco Chronicle’ recentemente lamentou que a Orquestra Sinfônica da cidade apresente quase exclusivamente composições criadas pelos homens brancos. Outras publicações da imprensa igualmente denunciaram o caráter entendido como etnicamente muito homogêneo do meio da música clássica”.

Somam-se a essas “denúncias” de racismo concernente à Música Clássica ventiladas pela “Valeurs” séries de publicações da mídia americana, inclusive do ‘New York Times’. Em suas várias matérias tem-se sobre a Música Clássica: “encobre um problema racista”, “atacar-se à sua brancura”, “extremamente branca”, “a música clássica é intrinsicamente racista”. O periódico francês completa: “Dessa maneira, a música clássica junta-se à extensa lista de instituições, pois possui uma proporção considerada pequena de pessoas de ascendência não-europeia e por isso são suspeitas de mascararem um modo de recrutamento discriminatório. Em resumo, de aplicarem uma forma de racismo estrutural”.

Pareceria bem exacerbada a ação de determinada corrente a entender também a Música Clássica como privilégio da população branca. Dos primórdios da civilização cristã, passando-se pelo Canto Gregoriano à criação musical ocidental na Idade Média, na Renascença, nos períodos Barroco, Clássico, Romântico e outros sucessivos, a feitura era realizada por europeus, brancos, e praticada tardiamente por outros povos. Não obstante, apesar de minoria, aqueles da “raça negra”, designação que constava nos livros escolares de antanho, notabilizaram-se pelo talento e tiveram e têm pleno reconhecimento mundial. Intérpretes negros da Música Clássica, mormente cantores, foram e são glorificados e a cor da pele não tem a menor influência. Eles são notáveis. Citemos Marian Anderson (1897-1993), Lawrence Winters (1915-1965) e Jessye Norman (1945-2019), como exemplos. O pianista André Watts (1946- ) é recebido pelas plateias do mundo sem discriminação. Sob outra égide, a tão decantada Música Clássica, considerada como sendo da elite unicamente, receberia o benfazejo contributo, há mais de um século, do Jazz praticado por negros nos Estados Unidos. Contudo, embora minoritários, quantos não foram os intérpretes brancos que granjearam lisonjas na prática do Jazz? Na composição, Claude Debussy (1862-1918), Ravel (1975-1937), George Gershwin (1898-1937) e tantos outros não se valeram das inovações trazidas pelo Jazz? Intérpretes brancos pianistas, trompetistas, regentes das jazz-bands e outros mais não desenvolveram seus extraordinários talentos improvisando em torno do Jazz? Sim, majoritariamente praticada por músicos negros, muitos deles rigorosamente excepcionais e admirados pelos praticantes ou ouvintes da Música Clássica.

Na contramão do exposto, o periódico francês online “Valeurs” publica em 13/07/2020 matéria sob o título “Tout le monde est terrifié: des acteurs blancs d’Hollywood dénoncent un racisme inversé”, que transmito, a integrar a exposição do tema desse post: “Sob o abrigo do antirracismo, as discriminações parecem estar de vento em popa em Hollywood… Em artigo publicado domingo, 12 de Julho, o jornal britânico ‘Daily Mail’ dá a palavra a diversos atores, autores e produtores de Hollywood. Estes últimos denunciam um ‘racismo inverso’, que visa aos membros brancos do meio cultural”. A seguir, “Valeurs” elenca uma série de atitudes e acontecimentos expressos no “Daily Mail”, entre opiniões de “alguns, explicando que se instalou um ambiente hostil a todo ‘homem branco de meia idade no show-business’, cuja carreira doravante ‘praticamente terminou’. ‘Nós só contratamos pessoas de cor, mulheres ou pertencentes à LGBT para escrever, desempenhar o papel principal, produzir, fazer funcionar as câmaras, trabalhar nos serviços de artesanato’, assim transmitiram ao ‘Daily Mail’. E prosseguem: ‘Se você for branco, você não pode se exprimir, pois será instantaneamente qualificado de ‘racista’ ou condenado por ‘privilégio branco’ ”.

O compositor francês François Servenière, que nos honra constantemente com suas observações após leitura dos blogs semanais, comenta: “Admiro o Jazz, a música negra, os ritmos cubanos, antilhanos e brasileiros advindos da mestiçagem. Em seu último post você nos fala da renovação da música clássica. Já lhe havia contado a admiração que tenho pelo extraordinário compositor e pianista Michel Camilo, nascido na República Dominicana. Meu Concerto para piano e orquestra Seasons Vertigo (1993-2007) faz parte da mesma tendência neste século, de uma mesma escola de pensamento, da mesma geração de criações do Concerto para piano e orquestra de Michel Camilo. A renovação está nessas tendências: rítmica, aberta, feliz, otimista. Só é necessário colher! O público lá estará enquanto tendências ultra contemporâneas o afugentam”.

Clique para ouvir, de Michel Camilo, o Concerto para piano e orquestra nº 1 com solo do compositor e a Orquestra Sinfônica Nacional de Lyon sob a regência de Leonard Slatkin. A recepção calorosa ao fim da apresentação revela a absoluta não discriminação racial:

https://www.youtube.com/watch?v=-TzNYJxIjfg

Ritmos afro-brasileiros tiveram e igualmente têm forte influência na denominada criação musical erudita. Três dos nomes referenciais de nossa História musical, Villa-Lobos (1887-1959), Francisco Mignone (1997-1986) e Camargo Guarnieri (1907-1993), incorporaram em incontáveis criações a rítmica afro-brasileira. As três obras do ilustre compositor da Bahia Paulo Costa Lima – branco nascido em 1954 – inseridas no blog do dia 4 de Julho não seriam flagrantes exemplos?

É realmente lamentável que essa mídia instigue uma situação que, curiosamente, entre os músicos da Música Clássica, que eu saiba, tem interesse secundário. O exemplo nítido, insofismável, verdadeiro orgulho para nós, brasileiros, está na figura do excepcional músico Luiz de Godoy. Teve formação essencial na Escola Municipal de Música sob a orientação do Prof. Renato Figueiredo. Posterormente estudou na Universidade de São Paulo. Tenho o privilégio de dizer que foi um de meus diletos alunos e que, após minha aposentadoria, ainda continuou parte da sua orientação em minha casa. Em concurso no dificílimo acesso como regente de um dos mais respeitados corais do planeta, os Meninos Cantores de Viena, foi aceito e durante anos viajou pelo mundo excursionando com o coral. Em Dezembro de 2016 receberia na capital da Áustria o Prêmio da Fundação Erwin Ortner, concedido a uma só personalidade do universo coral europeu. Presentemente, após pandemia, assumirá a regência da Ópera de Hamburgo.

Clique para ouvir os Meninos Cantores de Viena, vários corais juvenis de Singapura e a Orquestra Filarmônica juvenil do país sob a direção de Luiz de Godoy na interpretação da canção Home composição de Dick Lee, em arranjo de Wong Kahchun:

https://www.youtube.com/watch?v=a-ei0jwbueI

No blog anterior abordei a eclosão da Música Clássica em países do Extremo Oriente. Não poderiam essas nações vilipendiar a Música Clássica, pois música dos “brancos”, sendo eles “amarelos”, segundo os antigos manuais de ensino? Pelo menos não li nem ouvi jamais um músico do Extremo Oriente, nessas décadas pós Mao-Tsé-Tung, comentar tratar-se de música racista, pois composta e perpetuada por brancos. A China acolhe a Música Clássica, tendendo a superar o Ocidente na sua prática. O “New York Times” de 03/04/2007 aponta para essa Revolução Clássica sonora: “Com a mesma energia, força e enorme peso populacional que a tornou uma potência econômica, a China se tornou uma força considerável na música clássica ocidental. Os conservatórios estão inchados. As cidades da província exigem orquestras e salas de concerto. Pianos e violinos fabricados na China enchem os contêineres deixando seus portos”.

Creio que o debate Música Clássica e racismo está formulado em parte sob as égides ideológica e de uma atualidade convulsiva. Toda uma edificação da linguagem musical, considerando-se a Grécia Antiga, foi elaborada paulatinamente pela raça branca, como apontado acima. O cerne estaria na Educação, não na Música Clássica. Governos como o nosso, através dos tempos, jamais veem a Educação como prioridade, a ela somando-se a Saúde e a Segurança. A Música Clássica não é o problema e sim a não possibilidade de ensino para as classes menos favorecidas. Quando surge o talento, ele é aceito nos quadros da Música Clássica e a recepção é plena e entusiasta, não discriminatória. Os dois links evidenciam a recepção pública ao final das apresentações no seu mais elevado entusiasmo. Michel Camilo e Luiz de Godoy são alguns exemplos exponenciais mencionados, esperança de que, através da educação não panfletária, mas profunda; não mediática, mas com sequência segura, muitos outros possam ter uma trajetória sólida. No caso específico da “genialidade” de Luiz de Godoy, termo utilizado apropriadamente pelo compositor François Servenière, juntemos sua disciplina férrea, determinação e poder de concentração.

François Servenière tem criações que exemplificam a apreensão do Jazz, entre as quais Croissant Jazz (1999-2001) para dois pianos:

ibktU&list=PL117DDFB5DD651856&index=22&t=0s

A Música Clássica é patrimônio indelével da humanidade, para não mais dizer e, se a maioria de seus criadores são “ainda” brancos, considerando-se essa eclosão “amarela” que cultua a composição escrita pelos “brancos” através dos séculos, seria na História que se deveria buscar a origem e o conhecimento e não numa realidade atual de cunho ideológico e imediatista.

Música Clássica e racismo. A cizânia como combustível ideológico e oportunista. Acredito que a Música Clássica estará sempre de braços abertos a acolher o talento, seja ele de qual raça for. A primeira epígrafe diz tudo: “A música é a linguagem do coração”, segundo Rameau. Acrescentaria, coração não tem raça, ele pulsa.

After the killing of the black George Floyd by a white policeman, a wave of antiracist movements swept the globe and now classical music, said to be “extremely white” — written by white composers and played by white musicians — is on the receiving end of racist attitudes. The press adds fuel to the fire by pointing out the small number of nonwhite musicians on the stages. Personally I believe the heart of the issue is not classical music, but education — or lack of education. Black children from low income families have few chances of learning an instrument or even of listening to classical music. Through education talented children from the poorest backgrounds would be able to develop their potential to the full and pursue successful musical careers independently of skin color, discouraging racist attitudes.

Diminuição do público – juventude – racismo

Não corro como corria
Nem salto como saltava
Mas vejo mais do que via
E sonho mais que sonhava
Agostinho da Silva

Insistentemente tenho pontuado, ao longo de mais de treze anos, a gradual, mas irreversível, mudança de comportamento das gerações mais jovens. Impactadas pelo advento avassalador da internet e de todas as suas ramificações, a atenção dessas novas gerações se fixa no imediato. Assim como as transformações vertiginosas das engenhocas que em curtíssimo tempo levam adquirentes desses aparelhos a desprezá-los em detrimento do novo, de maneira análoga a cultura musical não erudita se transforma e “renova-se” a cada estação e aquilo que era ouvido em certo momento é desprezado sem quaisquer ressentimentos logo a seguir. Uma ou outra “música” desse compartimento prossegue sua existência, mais como mote de “cantor ou cantora” bem conhecido, para delírio de seus aficionados.

A Música Clássica ou de Concerto tradicional é basicamente apresentada há séculos e admirada, tendo, entre seus cultores no Ocidente, preferencialmente gerações de faixa etária mais avançada. Após dias a gravar em Mullem, na Bélgica Flamenga, no início da última década, meu amigo Johan Kennivé, magnífico engenheiro de som responsável por minhas gravações desde 1999, convidou-me a ouvir no grande auditório do De Single (circa 900 lugares), na Antuérpia, a apresentação da Symfonie Orkest Vlaanderen, sob a regência do ótimo Etienne Siebens. Fiquei ao lado de Johan durante a apresentação da 3ª Sinfonia de Mahler. Chamou-me a atenção a plateia lotada. A impressão era de um extenso campo de neve… Público entusiasta, mas praticamente da terceira idade.

Artigo publicado no periódico francês online “Valeurs” aos 22/06/2020, sob o título “Trop blanche: la musique classique, nouvelle sible des antiracistes”, aponta, entre outras considerações, para a diminuição sensível do público mais jovem nos concertos. Reacende problemática que se acentua no Ocidente.

O texto inicial é claro, sem subterfúgio: “É um fato concreto: a música clássica não mais desperta interesse do grande público, ainda menos dos jovens. Estudo realizado pelo ‘National Endowment for the Arts’ indica que o público que assiste a um concerto de música clássica, a representar 13% em 1982, caiu para 8,6% em 2017. Para aqueles com menos de 30 anos a queda foi ainda maior, despencou de 27% para 9% no mesmo período. Face a essa constatação, os profissionais do setor apelam à renovação, explica o ‘Le Figaro’. E o desafio maior, segundo eles, é o de mudar a imagem de um domínio muito branco”. Segundo dados obtidos, afirma o periódico “que nos Estados Unidos a música clássica é julgada muito pouco ‘inclusiva’ e considerada como ‘privilégio’ da população branca”.

Têm interesse essas afirmações. Antes de abordar o domínio “muito branco” (tema do próximo blog), diria que, excluindo-se conjuntos ou intérpretes extremamente mediáticos, a grande maioria das apresentações de música clássica se dá em espaços pequenos, para 100 a 500 ouvintes. Nessas salas se apresentam intérpretes pelo mundo e assim mesmo há redução do público. Estou a me lembrar da sala da De Rode Pomp em Gent, na Bélgica. Comportava cerca de 150 lugares e a organização promovia mais de 120 concertos anualmente. Apresentei-me mais de dez vezes nessa sala ao longo dos anos. Conversei com muitos músicos solistas ou de câmara que se apresentavam nessas programações – belgas, franceses, russos… – tantos deles excepcionais, mas fora do grande circuito. Sentiam a diminuição física dos espaços como realidade para os não mediáticos e a presença maior de ouvintes da terceira idade. Igualmente concordavam com o progressivo desinteresse dos mais jovens pelos concertos de Música Clássica. Anos atrás, De Rode Pomp encerrou suas excelentes atividades, compostas de concertos, gravações para selo da casa e galeria de arte, La Perseveranza. Em Portugal, Bélgica e França apresentei-me em várias dessas salas menores que promovem récitas, inclusive no Museu Debussy em Saint-Germain-en-Laye, cidade natal do compositor. A sala do Museu comporta cerca de 100 pessoas e é concorrida.

O fluxo sonoro clássico ou erudito, como também é conhecido, acelera-se em países do Oriente. Não há presentemente, no grande volume de jovens oriundos da China, Japão e Coréia do Sul que têm alcançado notoriedade no Ocidente, crítica à Música Clássica como pertencente a uma determinada raça. A cada ano é mais praticada nesses países. Na China, dezenas de milhões de crianças e jovens estudam piano!!! Meu dileto amigo e fundador do Instituto URBEN, Philip Yang, há tempos falou-me algo a impressionar. Tratava-se de artigo publicado no New York Times em 03/04/2007: “O entusiasmo chinês sugere o potencial de um mercado crescente para gravações e apresentações ao vivo, enquanto que o envelhecimento dos admiradores de música erudita e a venda de discos em declínio preocupam muitos profissionais na Europa e nos Estados Unidos.

Gravações de música clássica no Ocidente, vendidas há 25 anos às dezenas de milhares, ficaram reduzidas apenas a milhares. Mais profundamente, os executivos da música clássica dizem que essa forma de arte está sendo cada vez mais marginalizada em um mar de cultura popular e novas mídias. Um número menor de jovens ouvintes americanos segue o caminho da música clássica, em grande parte devido à falta de educação musical que era comum nas escolas públicas há duas gerações. Como resultado, muitas orquestras e casas de ópera lutam para encher suas salas.

A China, com cerca de 30 milhões de estudantes de piano e 10 milhões de estudantes de violino, está em uma trajetória oposta. Agora, testes abrangentes para entrar nos principais conservatórios atraem quase 200.000 estudantes por ano, em comparação com alguns milhares na década de 1980, de acordo com a Associação Chinesa de Músicos.

O lado do hardware também explodiu. Em 2003, 87 fábricas produziam instrumentos musicais ocidentais. No ano passado, o número havia aumentado para 142, produzindo 370.000 pianos, um milhão de violinos e seis milhões de violões. A China domina a produção mundial dos três”.

E qual é o repertório estudado progressivamente desde a infância e vindo a público? O ocidental, preferencialmente europeu. No famoso Concurso Internacional de Piano Chopin em Varsóvia em 2015 viu-se, entre os cinco primeiros laureados, quatro orientais!!! Nos principais concursos internacionais de piano ou violino existentes no hemisfério norte raramente não se encontram intérpretes do Extremo Oriente entre os laureados.

Que houve diminuição de frequentadores em salas e teatros que interpretam Música Clássica no Ocidente é fato. Um deslocamento geográfico do gosto pela Música Clássica tem-se acentuado em direção ao Extremo Oriente. O número extraordinário de estudantes entusiastas já garantiria a lotação nas salas de concerto. Se a menos de duas décadas os intérpretes orientais que se deslocavam para o Ocidente vinham muitíssimo bem preparados sob o aspecto técnico-pianístico, mas tendo tantas vezes compreensões questionáveis sob o conteúdo musical, assiste-se presentemente, mormente na China, Taiwan e Coreia do Sul, à assimilação progressiva da cultura musical voltada à Música Clássica sob as várias especificações, analítica das partituras e sócio-cultural referente aos períodos históricos da criação composicional. Na China está-se distante da revolução maoísta iniciada em 1966, e que se prolongou de fato por mais de uma década, período em que a cultura erudito-musical do Ocidente foi execrada. Em pungente livro, a notável pianista chinesa Zhu Xiao-Mei narra suas vicissitudes nesse trágico período (vide blog La Rivière et son secret. 06/11/2009). Presentemente Xiao-Mei vive em Paris. O Japão estaria fora dessa realidade, pois há muitas décadas já professava com competência o repertório ocidental.

Não deixa de ser extraordinária a apreensão da Música Clássica pelo Extremo Oriente. Conservatórios, intérpretes, orquestras e salas amplas abrigando a criação musical erudita, uma das fontes essenciais da cultura humanística.

Que o jovem ocidental, hoje, basicamente busca outras manifestações “musicais” é também fato. Contudo, a Música Clássica é e continuará a ser, através da História, mesmo que a sofrer diminuição de público no Ocidente e ataques movidos por ideologias, o testemunho de que a raça humana conseguiu atingir níveis inefáveis sob o aspecto humanístico e espiritual.

Comments on the opposite directions taken by classical music in Western and Far Eastern countries — China in particular — in the last decades. An article published by the The New York Times in 2007 sums up the situation perfectly: “… China has become a considerable force in Western classical music. Conservatories are bulging. Provincial cities demand orchestras and concert halls. Pianos and violins made in China fill shipping containers leaving its ports”. On the other hand, younger generations in the West have grown alienated from classical music, increasingly excluded from dominant music media by financial sponsors in favor of pop-music. Spaces for soloists and orchestras dwindle since senior audiences — the public that still listens to classical music today — are not enough to fill concert halls. However, my belief is that classical music will continue to be, even with a drop in audience attendance and attacks fueled by ideologies in the West, the testimony that men succeeded in achieving the ineffable in terms of their cultural heritage.

 

Competência e apego às raízes da Bahia

O compositor se vê forçado a praticar,
em relação ao intérprete, uma política de prudência,
de observar seus reflexos,
de distinguir em seu comportamento
tudo que pode lhe servir e também de rejeitar.
Breve, ele deverá fazer um estudo psicológico
do intérprete, se quiser recuperar
sobre sua criação um certo poder perdido.
André Souris (1899-1970)
(“Conditions de la Musique”)

Com surpresa recebi notícia de amigo a dizer que no YouTube havia três obras para piano do compositor da Bahia, Paulo Costa Lima, que gravei em 1996 em Sófia, na Bulgária. Ao acessar o aplicativo, comprovei e apreendi que os três Estudos para piano foram inseridos na Itália pelo grupo Wellesz Theatre (The Wellesz Company) nesses últimos anos. A organização tem divulgado a atividade composicional contemporânea mundial com regularidade e esmero.

Foi em 1985 que idealizei projeto a visar aos caminhos da composição para piano, sem participação eletrônica, estendendo-o até 2015, ou seja, trinta anos, no desiderato de entender a criação para o instrumento nas fronteiras do século. Convidei compositores de vários países e muitos aceitaram o desafio. Já havia gravado a integral dos Estudos de Alexandre Scriabine e de Claude Debussy, assim como Estudos contemporâneos para piano de compositores da Bélgica (selo belga De Rode Pomp), Estudos Brasileiros (selo ABM, Academia Brasileira de Música) e um último dedicado a compositores da França, Bulgária e Portugal (selo francês Esolem). Encerrei o ciclo no ano previsto, 2015, tendo apresentado em público cerca de 80 Estudos das mais diversas tendências. Vários foram publicados no Exterior, mas as dificuldades encontradas para que a extensa coletânea fosse impressa no Brasil inviabilizaram esse propósito. Apraz-me saber que doravante essas criações integram catálogos de respeitáveis compositores.

Durante o desenvolver da coletânea conheci criações do compositor da Bahia Paulo Costa Lima. Encantaram-me de imediato. Sua visão erudita e a mesclagem com o que há de mais profundo nas raízes de sua terra possibilitaram composições as mais expressivas destinadas a instrumento solo e conjuntos. Quanto às criações para piano que surgiram de sua lavra naquele efervescente período, acrescentaria que rítmica riquíssima e uma inédita e transcendente abordagem pianística serviram de profícuo desafio para o intérprete. Apresentei-as nos Festivais Música Nova (Santos e São Paulo), nos anos 1991-1993, assim como na Bélgica e em Portugal.

Pega essa nêga e chêra, Imikayá e Ponteio-Estudo (1991-1993), trilogia que me foi dedicada e que tive a honra de gravar em Sófia, com o também saudoso engenheiro de som Atanas Baynov a conduzir os registros, atestam o imenso talento do músico e teórico da Bahia.

Sobre o compositor Paulo Costa Lima (1954- ) diria que suas criações multidirecionadas já receberam mais de 500 performances em mais de 20 países. Escreveu 10 livros sobre música, a abordar temas como teoria e pedagogia do compor, análise e relação entre música e psicanálise. Professor Titular de Composição da Universidade Federal da Bahia, foi Pró-Reitor da UFBA e Secretário de Cultura da Cidade de Salvador. Membro da Academia Brasileira de Música (cadeira 21 – Cláudio Santoro), Paulo Costa Lima tem recebido inúmeros prêmios.

Após ter sido surpreendido com as gravações inseridas no YouTube pelo grupo italiano Wellesz Theatre, pensei participar aos leitores o tríptico de Estudos de Paulo Costa Lima e solicitei-lhe um texto a comentar as criações. Ei-lo:

“Retornar à cena da criação é sempre um desafio. Todos reconhecem. Essas obras foram escritas no início da década de 90, por um compositor ainda jovem, e dedicadas a José Eduardo Martins. Todas elas brincam com a geração de sentido através das técnicas de variação e transformação temático-motívica – aliás, um traço característico do Movimento de Composição na Bahia (que se inicia com Koellreutter e Ernst Widmer em 1954 e prossegue até os dias de hoje), mas fazem isso de forma distinta. Todas investem de forma sistemática na dimensão rítmica como fio condutor da atenção na obra, bordando esses ritmos no tecido melódico das melodias originais (quando é o caso), e assim almejando um ambiente rítmico de interação entre vanguarda e uma série de outros contextos (sem repetir os bordões do nacionalismo).

A primeira a ser escrita foi Pega e essa nêga e chêra, e esse título, que soa insólito fora do contexto, é, na verdade, o título da canção recolhida nas margens do Rio São Francisco. A melodia celebra um traço distintivo da cultura nordestina, o cheirar como manifestação de afeto, de carinho. Ora, a melodia tem uma característica deveras interessante, ela se desenrola no espaço de um trítono, e só isso. O compositor passou a imaginar que esse trítono era apenas o trecho superior de um modo mixolídio (sib, lá, sol, fá, mi…) e acrescenta a sua fundamental imaginada, o dó. Daí surge uma trajetória de transformações.

Clique para ouvir, na interpretação de J.E.M., Pega essa nêga e chêra:

https://www.youtube.com/watch?v=m0UA0Tu_sHg

A segunda a ser escrita foi Imikayá, que utiliza como ponto de partida uma melodia de origem banto, celebrando Kayá, uma divindade das águas (que tem paralelismo com Yemanjá da nação Ketu). Creio que o discurso das variações fica mais ágil nessa obra, ela almeja uma fluidez que consegue em vários momentos. Assim como na anterior, o estímulo melódico é usado como forma de transitar para o mundo dos motivos e dos conjuntos, criando ambientes que soam modais, tonais ou seriais.

Clique para ouvir, na interpretação de J.E.M., Imikayá:

https://www.youtube.com/watch?v=Fw2qYBd-kyE

A terceira da série foi o Ponteio-Estudo e, no coração de quem as escreveu, a mais querida. Aqui já não há um ponto de partida que venha de algum contexto cultural, a própria peça fabrica seu ponto de partida, um motivo (ou conjunto) com duas quartas justas e duas terças menores – mas isso é apenas pretexto para fazer explodir uma espécie de vulcão sonoro que explora a densidade dos graves no piano, mas logo inverte a direção para o lado mais agudo. Há uma análise recente desta obra, feita por Guilherme Bertissolo, que investiga justamente essa capacidade de gerar movimento (e inércia de movimento), até o ponto de inflexão na seção central. Pois bem, é tudo variação, tudo é ‘deduzido’ do motivo inicial, mas o interesse vai muito além desse desafio formalista, o intuito real é pegar o ouvinte pelas orelhas e arrastá-lo para um gozo pianístico todo seu, intenso e breve…

Clique para ouvir, na interpretação de J.E.M., Ponteio-Estudo:

https://www.youtube.com/watch?v=T3NQ23n_PwE

Creio que essas peças plasmaram um caminho de maturidade para o meu fazer de compositor, e isso só foi possível por causa do diálogo que elas permitiram com a genialidade interpretativa de José Eduardo Martins. Há muito dele em todas elas – tanto no sentido da escolha interpretativa, que molda a natureza da obra, como também por permitir que o compositor cultivasse insights que vinham diretamente do que ouvia deste piano – e não apenas em suas próprias obras, mas também através de Rameau, de Debussy, de Gilberto Mendes…

Fica, portanto, esse breve registro das obras e da gratidão enorme pela parceria que as iluminou”.

Aos 11 de Setembro de 1997 interpretei em Gent, na Bélgica, Vassourinhas-Estudo-Frevo (1997), criação de Paulo Costa Lima em homenagem ao notável compositor português Jorge Peixinho (1940-1995). Tocaria igualmente homenagem a Peixinho, criação do saudoso compositor e amigo Gilberto Mendes (1922-2016), Estudo, Ex-tudo, Eis tudo pois (1997). Esteve no recital o sensível artista plástico holandês Jan De Wachter (1960- ), que me ofereceu, dias após, seis expressivos trabalhos (técnica mista), entre esses um a lembrar Vassourinhas, outro In Memoriam Jorge Peixinho, um terceiro a rememorar Estudo, Ex-tudo, Eis tudo pois. De Wachter expunha na Galeria La Perseveranza, em Gent, suas obras dedicadas ao notável cineasta russo Andrei Tarkovsky (1932-1986).

Paulo Costa Lima continua sua sólida e profícua atividade de compositor, teórico e professor, respeitado no Brasil e no Exterior.

Ao leitor que quiser conhecer melhor a produção de Paulo Costa Lima, sugiro a consulta aos vídeos que apresentam parte substancial de sua música e do seu pensar:

https://www.youtube.com/channel/UC8LQtZ2vUWNU-ocKi_eAXAw/videos?view_as=subscriber

From 1985 to 2015 I worked on a project for piano etudes, trying to embrace with a comprehensive view  the technical possibilities of the instrument in the transition between the 20^th and 21^st centuries. Brazilian and foreign composers have been invited for the project, among them Paulo Costa Lima. Award–winning composer with more than 500 performances in more than twenty countries, music theorist and teacher of composition at the Federal University of Bahia, Paulo Costa Lima was born in Salvador, Bahia, in 1954. His three etudes for my project —“Pega essa nêga e chêra”, “Imikayá” and “Ponteio-Estudo” —, all of them real challenges for any interpreter, have conquered me immediately for their fusion of classical compositional techniques with Afro-Bahian elements. I recorded the three works and, much to my surprise, learned that the recordings have been posted on YouTube by the Italian music video channel The Wellesz Company. In this post I give the YouTube links to my recordings of Costa Lima’s works, preceded by valuable comments by the composer himself on the genesis  and main features of each of them.