José Eduardo Martins

A observação que conduz à arte inovadora

Mas teria sido Pituba um homem de crença profunda, radical e intransigente?
Um fanático para exagerar a qualificação?
Não cremos, e a redação de uma carta à irmã Martha (24/07/1916)
indica um equilíbrio religioso com crença profunda,
sem crendices nem superstições.
O que se poderia esperar do equilíbrio que transparece em toda sua vida”.
Eduardo Etzel
“Arte Sacra Popular Brasileira”, 1975)

A continuação do post anterior, abordando as inovações práticas que substanciam a criação de uma imaginária sacro-popular de um artista singular, expõe características que surpreendem os admiradores da arte. Dito Pituba seria um santeiro a mais entre tantos que confeccionaram imagens sagradas Brasil afora, não fosse sua incrível capacidade de encontrar em seu ambiente rural soluções surpreendentes. Primou, em sua longa atividade como santeiro, pela acuidade observadora.

Se considerada a arte sacra erudita, verifica-se que basicamente obedece a ditames oriundos da tradição. Ao verificarmos imagens de um determinado santo, nota-se que certos atributos essenciais permanecem inalterados. Pituba, artista da arte sacra popular, teria recorrido não apenas a membros da igreja, como igualmente a fiéis conhecedores dos símbolos representativos. Se mantém a tradição para determinados santos, como São Pedro e as chaves; Santo Antônio, o menino Jesus e um livro; São Benedito e o menino Jesus, quando usa a imaginação tem-se resultados surpreendentes, dado o convívio com o meio citadino-rural observado com argúcia.

Para a imagem inicial deste post, representando São Sebastião (72 cm), Pituba encontrou soluções para os braços, mas sobretudo para os olhos, utilizando-se dos de uma boneca. Fá-lo naturalmente, sem elucubrações. Essa arte singela, criativa, existe a partir do talento inerente.

Santa Catarina (287-305) foi martirizada em uma roda dentada aos 18 anos. Pituba recorreu à roda de ralar mandioca de quatro raios, pois lhe era familiar. Santa Bárbara, protetora contra as tempestades e relâmpagos, tem sobre os braços uma torre onde esteve presa a mando de seu pai. Preservando a fé cristã e condenada à morte, foi decapitada pelo próprio pai, que, reza a lenda, morreu a seguir atingido por um relâmpago;   Santa Luzia (383-204), igualmente martirizada, é representada nas muitas caracterizações de Pituba com uma pequena bandeja e dois olhos arrancados antes do martírio, daí ser conhecida como a Santa da visão. Tantos outros santos martirizados têm, da parte de Pituba, a interpretação que leva ao instrumento de tortura, símbolo que marca o final trágico da existência. Quanto à palma, representativa do martírio do santo ou santa, Pituba recorria a um vizinho sapateiro e suas palmas para as pequenas imagens de madeira eram de couro.

Santa Maria foi muito procurada pelos devotos. Está representada em várias versões, a depender da geografia e das devoções. Há várias representações de Nossa Senhora Aparecida ainda não coroada, fato que se deu em 1904, o que naturalmente posiciona a cronologia da feitura.

O aumento progressivo de fiéis à procura de seu santo ou santa de devoção fazia com que Pituba não apenas ampliasse sua hagiografia, como também tivesse que inovar. E inovou. As soluções encontradas por Dito Pituba foram sempre de ordem prática.

As dimensões das imagens variavam de acordo com os pedidos dos devotos que mantinham oratórios em suas casas rurais. Pituba também os confeccionava, a atender aos pedidos diversos quanto às dimensões solicitadas pelos fiéis. O aumento da demanda fez com que Dito Pituba procurasse soluções práticas. E encontrou.

Para os pequenos Divinos, sempre presentes nos oratórios domésticos, Pituba tem a sua identidade revelada através do corte das asas, frequente em todos os Divinos dessa dimensão.

Nos oratórios feitos antes do aumento natural de pedidos, Pituba se utilizava de madeiras ditas nobres e mais difíceis de serem cortadas para a feitura posterior dos oratórios caseiros. Em determinado momento deve ter concluído que as caixas de bacalhau, bebidas importadas ou óleo para motores, estas oriundas dos Estados Unidos, feitas em madeira mole, seriam adequadas para a realização do trabalho e já vinham “quase prontas” para o seu desiderato de santeiro. Obviamente faltavam-lhe as portas e o frontal, a adequação e a pintura, mas Pituba sabiamente resolveu o problema. Para as portas e o frontal recorria às sobras das caixas. Na ilustração a seguir, veem-se duas portas pintadas adornadas com anjos, únicas peças que subsistiram à ação dos cupins num oratório doméstico. Na inscrição em baixo-relevo, lê-se “Rubi Cognac Cuisinier”, a testemunhar a procedência.

Na foto a seguir, um dos tantos oratórios de autoria de Dito Pituba no qual utilizou a madeira dessas caixas vindas da Europa (bebidas) ou dos Estados Unidos (óleo para motores) para agilizar seu ofício. Veem-se ao fundo arabescos, motivos florais que caracterizam o estilo de pintura para a ornamentação dos oratórios domésticos.

Conheci Lázaro Pituba, filho de Dito Pituba. Naquele último lustro dos anos 1970, Lázaro já era nonagenário. Completamente cego, tinha a mente aberta e diálogo prazeroso. O ilustre pesquisador Eduardo Etzel já obtivera, décadas atrás, inúmeros dados da vida e dos trabalhos de seu pai. Tendo conhecido uma boa quantidade de imagens sacras realizadas por Pituba, colhi de Lázaro Pituba informações adicionais e fotografei-o, pois seria bem possível que o artista popular, vivendo em meio restrito, tivesse em mente personagens de seu meio, subtraindo do tipo físico que cruzava no cotidiano elementos para a feitura das imagens, mormente de seus familiares. Formato da cabeça, nariz, características do corpo eram elementos impregnados em sua mente. O perfil de Lázaro traduzia muito o formato de algumas cabeças de santos criadas por Pituba, assim como o formato do nariz. Tirei a foto e, ao mostrar ao Dr. Eduardo Etzel, ele concordou plenamente com a “teoria”.

As muitas visitas a Lázaro para saber mais de seu pai levaram a uma atitude inusitada. A certa altura, pediu à sobrinha para retirar um cordão de couro de seu pescoço com uma mínima imagem de Santo Antônio em chifre de veado. Portava-o desde a adolescência, presente de seu pai, Dito Pituba. Ofereceu-mo e a foto ilustra a miniatura. Bem desgastada pelas décadas, esse presente tão caro para Lázaro me comoveu.

Causou-nos, ao Dr. Eduardo Etzel e a mim, forte emoção o Voto de Louvor, assinado pelo vereador Eduardo Ribeiro, que recebemos da Câmara Municipal de Santa Isabel aos 28 de Março de 1978. , “pela pesquisa que realizaram a respeito dos trabalhos de arte executados pelo Sr. Benedito Amaro de Oliveira, artista isabelense falecido em 1923, homenageado por esta Casa através da aprovação da Lei nº 1024, de 22 de março de 1978”. Dias após, aos 10 de Abril, o Presidente da Câmara Municipal de Santa Isabel, vereador Levy de Oliveira Lima, ratifica o Voto de Louvor (ofício nº 88/78) e acrescenta: “Por nossa vez, através da Lei nº 1.024, de 22 de março do corrente ano, demos o nome do ilustre artista a duas vias da nossa cidade, como homenagem póstuma ao trabalho ao qual se dedicou com esmero e carinho”. Posteriormente o vereador Eduardo Ribeiro me ofereceu uma placa da rua que conservo com apreço.

Ratifico que, de minha parte, nada teria acontecido não fosse o grande privilégio de ter conhecido e ser orientado pela figura exemplar do Dr. Eduardo Etzel. Devo o que sei a  respeito da arte sacra popular, mormente referente a criada pelo notável Dito Pituba, ao grande mestre que, pneumologista e mais tarde psicanalista, captou a essência dos traços do artista. Indicou-me os caminhos a trilhar nessa vasta região do Alto Tietê e parte do Vale do Paraíba onde poderia encontrar traços deixados por Dito Pituba. Como pneumologista salientava determinados aspectos físicos das imagens, como psicanalista buscou penetrar no de profundis de Dito Pituba, como grande especialista em arte sacra transmitiu-me preciosos ensinamentos relativos à restauração. Dádiva.

The remarkable Dito Pituba, working in rural areas, was an artist who, when making about 5,000 images, oratories, and divines, had the creative gift that made him find surprising solutions.

Um centenário a ser celebrado

Dito Pituba, sem ser um gênio como Aleijadinho,
foi sem a menor dúvida um artista autêntico,
que legou às gerações modernas o exemplo de um espírito inquieto,
buscando, na humildade do isolamento rural em que se desenvolveu,
soluções que podem hoje servir de exemplo e de inspiração.
Eduardo Etzel
(“Arte sacra popular brasileira”, 1975)

Neste ano comemora-se o centenário da morte de Benedito Amaro de Oliveira, apelidado Dito Pituba, extraordinário e profícuo santeiro popular nascido em Santa Isabel.

Deve-se ao notável Eduardo Etzel (1906-2003) o excepcional trabalho de investigação que o levou à pesquisa de campo, redescobrindo a arte de Dito Pituba (vide blogs: Eduardo Etzel I e II, 17 e 25/08/2007). Foi ele o responsável pela criteriosa coleta de dados e da recolha de centenas de imagens, hoje fazendo parte do acervo do Museu de Arte Sacra de São Paulo.

(261) Uma Assinatura na Arte Anônima: dito Pituba – YouTube

Etzel legou vários livros sobre arte sacra, mormente aquela produzida por artistas populares das cidades fronteiriças à região metropolitana de São Paulo e Alto Tietê, como Santa Isabel a preponderar, mas também Arujá, Parateí, Igaratá, Nazaré Paulista, Itaquaquecetuba, Guararema, Jacareí e localidades menores. Em todas foram encontradas imagens criadas por Pituba. Seu livro “Arte Sacra popular brasileira” é obra fundamental que faz emergir, entre vários temas, a figura de Benedito Amaro de Oliveira.

De alta valia as pesquisas de Eduardo Etzel se considerarmos a busca da origem campesina do santeiro em região que, no século XIX, tinha poucos recursos, a resultar nas escassas referências disponíveis. Escreve: “A esta camada rural pobre pertenceu Pituba, daí ser evidente a dificuldade de se colherem dados biográficos de maior interesse, já que eles simplesmente não existem na vida anônima do pobre. Ressuscitar um morto humilde e desconhecido é tarefa árdua e quase impossível. É como procurar a tumba de um pobre na vala comum do esquecimento. Requer paciência, tenacidade e, sobretudo, uma atenção permanente a nonadas que se ouvem aqui e ali nas ocasionais conversas com contemporâneos”.

Eduardo Etzel, pneumologista consagrado e, nas últimas décadas da existência, psicanalista, foi imenso pesquisador. Tive o privilégio de um longo convívio, que resultou em oportunidades raras nas quais mestre Etzel transmitiu-me conhecimentos extraordinários quanto à pesquisa da arte de Dito Pituba. Incentivou-me a continuar seus aprofundamentos devido à sua faixa etária, que praticamente o impedia de prosseguir as pesquisas de campo. Entre os anos 1970-1980, dezenas de vezes visitei a vasta região cercada por serras, esparsas propriedades rurais, estradas de terra batida e um povo acolhedor. Realizava essas incursões aos sábados, sistematicamente. Após cada viagem visitava-o e aprendi a arte da restauração de imagens sacras. Juntos realizamos uma Exposição no Museu de Arte de São Paulo em 1977, “Dito Pituba – um santeiro paulista”, que teve expressivo incentivo por parte de seu diretor, o notável Pietro Maria Bardi (1900-1999).

Seguindo os passos de Eduardo Etzel, partia sempre de Santa Isabel, cidade natal de Dito Pituba. É certo que o santeiro viveu pouco tempo em três outras cidades, Arujá, Nazareth Paulista e Guararema, localidades onde atendeu à demanda dos devotos, produzindo incansavelmente suas imagens.

O artista isabelense, tendo trabalhado com seu pai em uma olaria, aprendeu a manusear o barro que se transformaria em telhas, tijolos, manilhas e utensílios domésticos. Nascia, sob outra égide, o gosto pela arte sacra criada em barro cru ou cozido e, posteriormente, em madeira (vide blog “Pesquisa de Campo”, 27/09/2008).

Segundo cálculos hipotéticos a mim transmitidos pelo Dr. Etzel, Dito Pituba enriqueceu a hagiografia com cerca de 5.000 peças de arte, divinos, crucifixos e oratórios e, a preponderar, imagens dos santos mais cultuados na região.

Na esfera da criação musical enfatizo sempre que o compositor de talento deixa suas impressões digitais. “O estilo é o homem”, frase do pensador conde de Buffon (1707-1788), aplica-se exemplarmente no caso de Dito Pituba. Sua arte foi se moldando, adaptada aos modestos conhecimentos da arte sacra erudita que aprendia através da oralidade clerical, de raras publicações que lhe serviam de modelo, de sugestões de fiéis que a ele recorriam para a confecção de imagens de seus santos de devoção. Não obstante essas circunstâncias, Pituba, a fim de atender à demanda dos devotos, buscou soluções práticas na elaboração de suas peças destinadas ao culto doméstico. Criou um estilo personalíssimo.

Impressiona em Dito Pituba a sua imensa capacidade para chegar aos resultados. Nada o detinha quando da confecção de uma imagem de santo cultuado encomendada por algum fiel, mas fora do seu habitual criativo, que focalizava aqueles mais venerados. Somava-se a experiência a outras tantas e, a partir de uma imagem sacra inédita para ele, a repetição daquele determinado santo ou santa de devoção tornava-se familiar, o que facilitava a tarefa de santeiro.

Durante a longa existência de Pituba é possível detectar as várias fases criativas através dos materiais empregados. Após o início confeccionando imagens em barro cru, cedo aprendeu, através do conhecimento que lhe vem dos trabalhos na olaria, a moldar suas imagens em barro queimado ou terracota, sendo que a denominada paulistinha, imagem em terracota majoritariamente a variar entre 12 e 18 cm e que tem origem em Portugal, passou a preponderar em sua produção. Vazada no interior para não rachar durante a queima, a paulistinha foi em período extenso o veio criativo preponderante de Pituba e outros santeiros. Seria mais acentuadamente nas fronteiras dos séculos XIX-XX que Pituba produziria com mais afinco as suas imagens em madeira. Já tendo um belo acervo hagiográfico, encontrou em determinada espécie mais mole e fácil de ser manuseada, a caixeta, o veículo propício para a produção de imagens, divinos e oratórios, todos com as suas impressões digitais a não deixar dúvidas da autenticidade do autor. Excepcionalmente empregou para oratórios maiores madeira dura encontrada na região.

Do oratório da imagem abaixo foram retiradas quatro camadas de tinta, pois o campesino devoto da região, ao ver enegrecido um oratório, mercê da fuligem do forno caseiro, repintava-o. Vê-se nas portas a pintura original bem apagada, ilustrada com dois divinos. A imagem do Cristo foi elaborada em terracota, mas tem também tecido nos braços e dele foi retirada uma pintura. Oratório e crucifixo datam das últimas décadas do século XIX, e um dos detectores é a presença de cravos no alto da porta direita, pois já no século XX Pituba se utilizaria de pregos industriais. Quanto  à imagem de Nª Senhora da Expectação na abertura do blog, foi ela encontrada em uma santa cruz à beira de uma estrada de terra batida. Quebrada em vários pedaços e tendo sido repintada três vezes, após a restauração, é uma das mais expressivas imagens de Dito Pituba.

Sem a sofisticação das imagens eruditas de madeira nas quais o artista, antes da aplicação das tintas, empregava uma camada de gesso por toda a peça, Pituba simplificou o processo no desiderato de atender aos numerosos devotos. Após a confecção, aplicava diretamente as camadas de tinta, o que não garantia basicamente a perenidade. Felizmente centenas de imagens de terracota e de madeira foram preservadas. Estou a me lembrar de ter constatado, em casa de moradores rurais, um número expressivo de pequenas imagens de madeira completamente enegrecidas pelo picumã. Quanto às cores preferidas por Dito Pituba, destacam-se a azul anil e a alaranjada.

Eduardo Etzel comenta: “Ao examinar a arte do santeiro, veremos diferentes fases de produção, que indicam a maleabilidade com que soube adaptar sua arte às contingências externas, do meio ambiente e suas próprias, com o caldeamento de sua experiência até a idade avançada”. A premência na feitura das imagens fê-lo desenvolver uma invejável habilidade manual e adaptar às suas criações a sua visão do cotidiano. Em tantas delas há a expressividade do santo.

No próximo blog comentarei diversos achados de Dito Pituba ao criar suas imagens, assim como a sua captação do entorno, seja ele humano ou relativo àquilo que lhe era apresentado.

This year marks the death centennial of one of the most important artists of popular sacred art, Benedito Amaro de Oliveira, known as Dito Pituba (1848-1923), born in Santa Isabel, not far from the city of São Paulo. He bequeathed us around 5,000 terracotta and wood images, as well as oratories.

François Servenière e a perenidade do sagrado

Para mim, a criação musical não exige somente talento, mas também,
e antes de tudo, caráter, personalidade,
a certeza de que temos um caminho a seguir,
e que nada conseguirá nos tirar do caminho.
Serge Nigg (1924-2008).

Fui impactado ao receber do ilustre compositor francês François Servenière (1961-) sua última criação, gestada longamente, plena de simbologia, rica nos processos escriturais. Sendo conhecedor das múltiplas tendências da música contemporânea, Servenière há décadas professa alguns contextos delas derivantes, mas optou por uma linguagem desviando-se do cerebralismo tantas vezes inócuo.

François Servenière escolheu o seu caminho voltado à criatividade sem se submeter ao Sistema, mas sem perder de vista o passado glorioso da música. Essa escolha, se de um lado lhe deu a possibilidade de se expandir em diversos direcionamentos, fruto do acúmulo musical e humanístico adquiridos com critério, sob outra égide, devido ao culto ao passado, sem dele se tornar refém, cerceou-lhe várias possibilidades de expansão junto ao público e às fontes do Estado, estas que seguem majoritariamente ideologia precisa.

Tendo conhecido inúmeras obras de François Servenière, “The Sacred Fire”, para dois pianos e orquestra, coloca-se entre as maiúsculas criações do compositor, entre elas “Seasons Vertigo” (1993-2007) para quatro pianos e orquestra. Quando a escrita destina-se ao piano, poder-se-ia acrescentar que Servenière tem seu idiomático. Há virtuosidade plena na escrita pianística do “Fogo Sagrado”, característica que o autor sempre desenvolve sabiamente, pianista que foi. Em “The Sacred Fire”, a virtuosidade pianística diante de uma orquestra, avassaladora por vezes, amalgama-se magnificamente. Poderíamos acrescentar que o apreço do compositor pelo jazz, que vem da juventude, está presente em vários segmentos. Como bem enumerou o ilustre compositor pátrio Ricardo Tacuchian, haveria entre as tendências composicionais da atualidade quatro fundamentos e suas ramificações, sendo que em um desses caminhos não há exclusão ao culto a determinados procedimentos que têm origem na tradição. François Servenière, estando bem atualizado quanto aos novos processos, mantém-se fiel à sua escrita enriquecida pelo acervo adquirido, mas a saber selecionar atributos novos, excluindo aqueles nitidamente panfletários e sem lastro, cultuados em guetos

Tive o privilégio de gravar várias de suas obras, entre as quais os sete  “Études Cosmiques”, mais o “Outono Cósmico”, inspiradas nas magníficas telas do artista plástico Luca Vitali (1940-2013), coletânea que ao meu ver situa-se entre as mais significativas do gênero. Figuram os oito Estudos no Youtube.

Sobre o seu Concerto para dois pianos e orquestra, “The Sacred Fire”, a presente apresentação está toda programada através dos meios eletrônicos, a antecipar uma futura première instrumental. Servenière respondeu à pergunta que lhe formulei sobre o processo atual: “A respeito dos procedimentos informáticos que levaram ao presente resultado, não se trata mais de uma questão, pois todas as músicas hoje, mesmo as clássicas, são fabricadas ou recopiadas sobre softwares informáticos… Que você utilize Finale, Studio Vision, Studio One, Pro Tools, Presonus, Sony ou Apple, a resposta será sempre extraída do cérebro do criador”.

Quanto à origem da obra, Servenière é enfático: “O Fogo Sagrado’ é uma permanência dos escritos bíblicos desde Moisés e sua sarça ardente. É uma metáfora para a vida, para a reprodução através da sexualidade, para a energia vital e simbólica que reaparece regularmente na história humana, quando a existência biológica é confrontada com seu pior inimigo: o niilismo, a negação da criação, o desejo de controle político da natalidade através da manipulação genética e ideologias não naturais, como o malthusianismo. Nos primórdios, os humanos lutaram contra o Bezerro de Ouro, enquanto a moda deletéria atual é a do transumanismo… Uma das manifestações mais grandiosas do ‘Fogo Sagrado’ é a do milagre do Santo Sepulcro, renovado com certeza todos os sábados santo desde o Século IV dC na liturgia ortodoxa”.

A montagem visual de “The Sacred Fire”, na presente modalidade, teve por parte de Servenière uma magnífica exposição de imagens caracterizando o transcorrer da obra. Riquíssima escolha de paisagens, mas especialmente de pinturas da Idade Média ao presente. Para tanto, separei “O Fogo Sagrado” em três links que, ao gosto do leitor, poderão ser acionados na sequência ou em partes.

A construção da primeira secção da obra baseia-se estruturalmente num ostinato, a consolidar intenções. Esse ostinato é rítmico e formado de acentuações incisivas. Quanto às imagens, Servenière apresenta uma série de paisagens áridas do Oriente Médio em sítios onde manuscritos foram encontrados e que corroboram o entendimento dos Testamentos Bíblicos. Cenas a anteceder e a assinalar o nascimento de Cristo, o batismo de Jesus por João Batista, a entrada em Jerusalém até à prisão de Cristo enriquecem a composição.

https://www.youtube.com/watch?v=fqoAuj_Zb7I&list=PL3ycBpUN-VORx9toHcV0tfcOpPI3SR5od&index=1

A segunda parte do Concerto é ilustrada com imagens do calvário de Jesus, da prisão ao julgamento, da longa trajetória até a crucificação e a morte. Incisivamente, um tema principal apresentado sob tantas vestimentas percorre o “Lento Lamento”. Em determinado segmento, a enriquecer o discurso musical, imagens se sucedem à maneira de flashes, com aparições contundentes a seguir as acentuações em alta frequência sonora contidas na partitura. Por vezes, Servenière sobrepõe imagens, a potencializar intenções.

Lento Lamento

https://www.youtube.com/watch?v=9p2laHw0VXo&list=PL3ycBpUN-VORx9toHcV0tfcOpPI3SR5od&index=3

O terceiro movimento se caracteriza por um feerismo total, rítmica implacável e eflúvios jazzísticos. Poder-se-ia pensar numa redenção plena da humanidade. Servenière explora, com raro talento, não apenas o diálogo pianos-orquestra, mas extremadas e incisivas atuações de acordes em fortíssimo, que surgem como em um relampejar. O compositor, na montagem audiovisual, ratifica a inserção das imagens nesses “relâmpagos sonoros”, a provocar o ouvinte nessa volúpia voltada aos extremos. Após verdadeira apoteose de sons, Servenière finaliza a obra com um lento e breve arpejo solado pelo piano e em baixa sonoridade, seguido de brevíssima aparição orquestral, levando “The Sacred Fire” à paz. Jamais alcançada ?

Allegro quasi presto

https://www.youtube.com/watch?v=9p2laHw0VXo&list=PL3ycBpUN-VORx9toHcV0tfcOpPI3SR5od&index=3

O título da obra já sugere intenções precisas e o conteúdo musical já bastaria. Não obstante, em “The Sacred Fire” as imagens, sob a imaginação do compositor, não apenas permitem ao leitor-ouvinte integrá-las ao conteúdo musical, mas também a sua penetração em parte no de profundis de Servenière. Quão mais conheço as suas criações, mais me convenço de que o misterioso universo criativo musical através dos séculos tem sempre suas origens na imaginação, majoritariamente não revelada pelos autores. Quando poemas, libretos, natureza e outras mais inspirações servem de bússola, o amálgama pode se dar. Como bem reza Vladimir Jankélevich, “o segredo pode ser revelado, mas o mistério é insondável”. Não é uma dádiva saber que o misterioso universo interior que propiciou a criação pode ser inspiração possível para a reinterpretação? Ao músico intérprete consciente a resposta ao tornar viva a partitura.

Creio que em “Promenade sur la Voie Lactée”, para piano solo, François Servenière não apenas expõe outro momento criativo, mas nos leva a uma verdadeira experiência etérea.

Clique para ouvir “Promenade sur la Voie Lactée”, de François Servenière, na interpretação de J.E.M.:

https://www.google.com/search?q=youtube+Promenade+sur+la+Voie+Lact%C3%A9e+Serveni%C3%A8re+-+Martins+piano&oq=youtube+Promenade+sur+la+Voie+Lact%C3%A9e+Serveni%C3%A8re+-+Martins+piano&aqs=chrome..69i57.35927j0j7&sourceid=chrome&ie=UTF-8

“The Sacred Fire”, the last creation of the remarkable French composer François Servenière for two pianos and orchestra, is a singular work. To the technical compositional mastery, Servenière adds fertile imagination. Initially produced by electronic means, hopefully it will soon be performed in concert halls. Consider the excellent selection of images in the montage for the Internet.